Die Architektur als Kunstwerk: Warum sich ein zweiter Blick auf Frankfurts Museumsgebäude lohnt

Für die meisten Besucher ist ein Museum ein Behälter. Eine Hülle, deren primäre Aufgabe es ist, wertvolle Kunstwerke zu schützen und in einem möglichst neutralen Rahmen zu präsentieren. Man betritt das Gebäude, sucht die Exponate und verlässt es wieder, ohne dem Bauwerk selbst mehr als einen flüchtigen Blick zu gönnen. Doch dieser Ansatz ignoriert eine fundamentale Wahrheit, besonders am Frankfurter Museumsufer: Die Architektur ist nicht nur Dienerin der Kunst, sondern oft selbst das bedeutendste Kunstwerk.

Die Vorstellung, dass die Form der Funktion folgt, wird hier auf eine Metaebene gehoben. Die Funktion ist nicht allein das Ausstellen, sondern das Schaffen eines kulturellen Raumes, einer Erfahrung, die bereits an der Fassade beginnt und sich im Inneren durch Lichtführung, Materialwahl und Raumsequenzen fortsetzt. Wer nur auf die Bilder an den Wänden oder die Objekte in den Vitrinen blickt, verpasst die Hälfte des Erlebnisses – die meisterhafte Komposition aus Beton, Glas und Stein, die eine ganz eigene Geschichte erzählt. Dies ist eine Einladung, die Perspektive zu wechseln und die Gebäude nicht als funktionale Hüllen, sondern als autonome, begehbare Skulpturen zu würdigen.

Dieser Artikel führt Sie durch die architektonischen Meisterwerke des Frankfurter Museumsufers und darüber hinaus. Wir analysieren die Designentscheidungen der Stararchitekten, entschlüsseln die symbolische Sprache der Fassaden und geben Ihnen die Werkzeuge an die Hand, um diese Gebäude als das zu erleben, was sie sind: eigenständige Kunstwerke, die das kulturelle Herz Frankfurts formen.

Richard Meier, Oswald Mathias Ungers: Wer zeichnet für welches ikonische Gebäude verantwortlich?

Am Anfang der architektonischen Neugestaltung des Museumsufers standen Visionen, die weit über das bloße Schaffen von Ausstellungsflächen hinausgingen. Zwei Namen sind hierbei von zentraler Bedeutung: Richard Meier und Oswald Mathias Ungers. Sie schufen nicht nur Gebäude, sondern architektonische Manifeste, die den Dialog zwischen Alt und Neu, zwischen Inhalt und Hülle neu definierten. Richard Meier, der Meister des Lichts und der weißen Kuben, entwarf das Museum Angewandte Kunst. Sein Entwurf ist eine Komposition aus strahlend weißen, geometrischen Baukörpern, die die historische Villa Metzler umfließen und in einen neuen Kontext setzen. Es ist eine Architektur, die sich nicht unterordnet, sondern einen selbstbewussten, modernen Gegenpol zur bestehenden Bausubstanz bildet und dabei eine fast sakrale Atmosphäre des Lichts schafft.

Auf der anderen Seite des Mains, und doch konzeptionell verwandt, steht Oswald Mathias Ungers‘ Werk am Deutschen Architekturmuseum (DAM). Seine Herangehensweise war radikal und intellektuell: Er entkernte eine Gründerzeitvilla vollständig und stellte ein abstraktes „Haus im Haus“ hinein. Dieses Konzept ist die reinste Form der architektonischen Selbstreflexion. Das Gebäude selbst wird zum primären Exponat.

Der historischen Gründerzeitvilla wurde ein abstraktes Haus-im-Haus inkorporiert, das die Architektur mit den ihr ureigenen architektonischen Gestaltungsmitteln thematisiert.

– Visit Frankfurt, Deutsches Architekturmuseum Frankfurt

Beide Architekten haben somit die Grundlage für die Philosophie des Museumsufers gelegt: Die Hülle ist nicht passiv. Sie ist ein aktiver Teilnehmer am kulturellen Diskurs, ein eigenständiges Kunstwerk, dessen Auseinandersetzung mit Ort und Geschichte ebenso viel Aufmerksamkeit verdient wie die Sammlungen, die es beherbergt. Meiers lichtdurchflutete Offenheit und Ungers‘ intellektuelle Introvertiertheit sind die Pole, zwischen denen sich die architektonische Vielfalt des Ufers entfaltet.

Warum ist das Filmmuseum verglasten-transparent und das Museum für Weltkulturen introvertiert?

Die Architektur eines Museums ist niemals zufällig; sie ist eine nonverbale Kommunikation, eine steingewordene Aussage über den Inhalt und das Selbstverständnis der Institution. Zwei Gebäude am Museumsufer illustrieren diesen Grundsatz auf exemplarische Weise: das Deutsche Filmmuseum und das Museum der Weltkulturen. Ihre Fassaden könnten unterschiedlicher nicht sein und spiegeln doch perfekt die Essenz ihrer jeweiligen Sammlungen wider. Das Deutsche Filmmuseum präsentiert sich mit seiner gläsernen, transparenten Fassade offen und einladend. Diese architektonische Geste ist eine direkte Metapher für das Medium Film selbst: Es geht um Projektion, um das Sichtbarmachen von Geschichten, um Ein- und Ausblicke. Die Transparenz löst die Grenze zwischen Innen und Außen, zwischen Museum und Stadtraum auf und suggeriert, dass Film eine Kunstform ist, die in die Gesellschaft hineinwirkt.

Im starken Kontrast dazu steht das Museum der Weltkulturen. Seine Fassade wirkt verschlossen, fast introvertiert. Diese bewusste architektonische Entscheidung dient nicht der Abweisung, sondern dem Schutz. Im Inneren werden fragile, unersetzliche ethnografische Objekte aus aller Welt aufbewahrt – Zeugnisse von Kulturen, die vor Licht, Klima und dem schnellen Blick geschützt werden müssen. Das Gebäude wird hier zur Schatztruhe, zur schützenden Hülle, die das kostbare Erbe bewahrt. Die Introvertiertheit der Architektur schafft einen kontemplativen Raum, der den Besucher aus dem Alltag Frankfurts in die fernen Welten Ozeaniens, Afrikas oder Amerikas entführt. Die Fassade ist hier eine Membran, die nicht Transparenz, sondern Konzentration und Bewahrung symbolisiert.

MMK, Museum Angewandte Kunst oder Städel-Erweiterung: Welche Architektur ist bahnbrechend?

Die Frage nach der „bahnbrechendsten“ Architektur am Museumsufer lässt sich nicht mit einem einzigen Namen beantworten, da verschiedene Gebäude auf unterschiedliche Weise Pionierarbeit geleistet haben. Drei Beispiele stechen jedoch durch ihre radikalen und innovativen Ansätze besonders hervor: das MMK Museum für Moderne Kunst, das bereits erwähnte Museum Angewandte Kunst und die unterirdische Erweiterung des Städel Museums. Jedes dieser Gebäude löste eine spezifische architektonische Herausforderung auf geniale Weise. Das MMK Museum für Moderne Kunst, entworfen von Hans Hollein, wird aufgrund seiner markanten Form oft als „Tortenstück“ bezeichnet. Holleins Geniestreich war es, ein äußerst schwieriges, dreieckiges Grundstück nicht als Einschränkung, sondern als kreativen Impuls zu begreifen. Er schuf einen postmodernen, skulpturalen Baukörper, dessen Innenräume exakt auf die Kunstwerke zugeschnitten sind. Hier ist die Architektur keine neutrale Box, sondern ein maßgeschneiderter Anzug für die Sammlung – eine untrennbare Symbiose aus Hülle und Inhalt.

Die bahnbrechende Qualität dieser architektonischen Ikonen spiegelt sich auch in ihrer Anziehungskraft wider. Das Städel Museum beispielsweise gehört mit 390.532 Besuchern allein im Jahr 2019 zu den meistbesuchten Kunstmuseen Deutschlands und beweist, dass herausragende Architektur ein Publikumsmagnet ist.

Der folgende Vergleich zeigt die einzigartigen Innovationen der drei Häuser, die die Museumslandschaft nachhaltig geprägt haben.

Die Städel-Erweiterung von schneider+schumacher wiederum löste das Problem der Expansion auf die wohl eleganteste Weise: indem sie unsichtbar wurde. Statt einen weiteren Anbau zu errichten, wurde die neue Sammlung für Gegenwartskunst unter der Erde angesiedelt. Die einzige sichtbare Manifestation ist eine sanfte Wölbung des Gartens, aus der 195 kreisrunde Oberlichter wie Augen in den Himmel blicken. Diese „Augen“ versorgen die unterirdischen Räume mit magischem Tageslicht und schaffen eine völlig neue Art von Ausstellungsraum – eine Landschaft, die zugleich Dach und Lichtquelle ist. Jedes dieser Gebäude ist auf seine Art bahnbrechend und zeigt, dass die Grenzen der Museumsarchitektur immer wieder neu ausgelotet werden können.

Warum verpasst man 50% des Erlebnisses wenn man nur auf Exponate starrt?

Die Antwort ist einfach: Weil man die Bühne für das Stück hält. Ein Museumsbau ist kein passiver Hintergrund, sondern ein aktiver Gestalter der Wahrnehmung. Der Architekt komponiert eine Erfahrung, eine „promenade architecturale“, die den Besucher durch eine sorgfältig choreografierte Abfolge von Räumen, Lichtstimmungen und Ausblicken führt. Wer nur von Exponat zu Exponat eilt, ignoriert die subtile Regie des Raumes, die entscheidend zum Gesamterlebnis beiträgt. Man verpasst, wie der Lichteinfall zu unterschiedlichen Tageszeiten die Atmosphäre eines Saales komplett verändert, wie eine plötzliche Verengung eines Ganges den Blick auf das nächste, weitläufige Atrium fokussiert oder wie die Materialität einer Wand – ob rauer Beton, glatter Marmor oder warmes Holz – eine haptische und emotionale Dimension hinzufügt.

Diese architektonische Inszenierung ist kein Zufall. Sie ist das Ergebnis unzähliger Entscheidungen, die darauf abzielen, den Besucher zu leiten, seine Stimmung zu beeinflussen und seinen Blick zu schärfen. Die Höhe eines Raumes kann ein Gefühl von Erhabenheit oder Intimität erzeugen. Die Position eines Fensters kann den Blick gezielt auf ein städtisches Wahrzeichen lenken und so einen Dialog zwischen Innen und Außen herstellen. Selbst Details wie die Form eines Türgriffs oder die Akustik eines Raumes sind Teil dieser Gesamtkomposition. Wer diese Aspekte ignoriert, konsumiert nur den Inhalt, aber erlebt nicht das autonome Kunstwerk der Architektur. Man sieht die Bilder, aber man hört nicht die Musik des Raumes, die sie umgibt.

Wann kann man Museumsräume ohne Menschenmassen und Kunstwerke architektonisch erleben?

Die reinste Form der Architekturwahrnehmung erfordert Ruhe und Leere. Menschenmassen und die starke Präsenz von Kunstwerken können von der subtilen Sprache des Raumes ablenken. Doch wie findet man diese Momente der Stille in beliebten Kulturinstitutionen? Es gibt gezielte Strategien, um die begehbare Skulptur eines Museums fast für sich allein zu haben. Die offensichtlichste, aber oft effektivste Methode ist der Besuch an einem Wochentag, idealerweise kurz nach der Öffnung am Morgen oder in der letzten Stunde vor Schließung. Zu diesen Zeiten ist der Besucherandrang meist am geringsten, und das Licht – besonders am Morgen und späten Nachmittag – zeichnet die Konturen der Architektur oft am dramatischsten. Große Events wie die „Nacht der Museen“, die allein 2024 rund 40.000 Besucher anlockte, sind zwar kulturelle Höhepunkte, eignen sich aber denkbar schlecht für eine konzentrierte Architekturbetrachtung.

Eine weitaus gezieltere Möglichkeit bieten spezielle Architekturführungen. Viele Museen, wie zum Beispiel das Museum für Kommunikation, erkennen den Wert ihrer eigenen Gebäude und bieten Touren an, die sich ausschließlich auf die Architektur konzentrieren. Wie das Museum für Kommunikation seinen Rundgang durch den Bau von Günter Behnisch beschreibt, steht hier die Museumsarchitektur selbst im Mittelpunkt. Solche Führungen lenken den Blick auf Details, Baumaterialien und die städtebauliche Einbettung, die einem normalen Besucher verborgen bleiben würden. Sie sind der Schlüssel, um die Vision des Architekten zu entschlüsseln.

Eine weitere, radikalere Methode ist der Besuch während eines Um- oder Abbaus von Ausstellungen. Einige Bereiche sind dann zwar geschlossen, aber oft ergeben sich einzigartige Gelegenheiten, große Säle völlig leer und in ihrer reinen, architektonischen Form zu erleben. Dies erfordert etwas Recherche auf den Museumswebseiten oder eine Nachfrage beim Personal, kann aber mit einem unvergleichlichen Raumerlebnis belohnt werden. Hier offenbart sich die architektonische Autonomie des Gebäudes in Reinform – wenn der Raum selbst zum einzigen Exponat wird.

Wer sind die 7 Stararchitekten hinter Frankfurts bekanntesten Hochhäusern?

Während das Museumsufer eine horizontale, am Menschen orientierte Kulturlandschaft darstellt, erzählt die Frankfurter Skyline eine andere Geschichte: die der vertikalen Repräsentation von Macht und Wirtschaft. Die Frage nach den „7 Stararchitekten“ ist symptomatisch für die Faszination, die von diesen Giganten aus Glas und Stahl ausgeht. Namen wie Norman Foster (Commerzbank Tower) oder Coop Himmelb(l)au (Europäische Zentralbank) sind untrennbar mit der Silhouette der Stadt verbunden. Ihre Entwürfe sind globale Statements, die technische Innovation und skulpturale Ambition vereinen. Sie stehen für eine Architektur der Superlative, die weithin sichtbar ist und die internationale Bedeutung des Finanzplatzes Frankfurt manifestiert.

Doch der wahre architektonische Reichtum Frankfurts liegt im Dialog dieser beiden Welten. Während die Hochhausarchitektur auf Fernwirkung und die Symbolik von Höhe und Dynamik setzt, antwortet die Museumsarchitektur mit Maßstäblichkeit, Materialität und der Schaffung von qualitätsvollen öffentlichen Räumen. Es ist ein städtebauliches Kontrastprogramm. Die Architekten des Museumsufers – von Richard Meier über O.M. Ungers bis zu Günter Behnisch – bilden eine eigene Konstellation von Stars, deren Fokus nicht auf der maximalen Höhe, sondern auf der maximalen Qualität der räumlichen Erfahrung liegt. Ihre Werke sind nicht primär für die Skyline entworfen, sondern für den Fußgänger, den Besucher, den Bürger.

Die Konzentration auf eine Handvoll Stararchitekten der Skyline greift daher zu kurz. Die architektonische Identität Frankfurts speist sich aus der Spannung zwischen diesen beiden Polen: der vertikalen Machtdemonstration der Türme und der horizontalen, demokratischen Geste des Museumsufers. Es sind zwei Seiten derselben Medaille, die Frankfurt zu einer der architektonisch spannendsten Städte Deutschlands machen.

Warum wirkt das Museumsufer trotz 13 verschiedener Architekten harmonisch?

Ein Ensemble aus über einem Dutzend Gebäuden, entworfen von ebenso vielen, teils sehr egozentrischen Architekten über mehrere Jahrzehnte hinweg, sollte eigentlich ein chaotisches Bild abgeben. Doch das Frankfurter Museumsufer strahlt eine bemerkenswerte Harmonie aus. Das Geheimnis liegt nicht in einem einheitlichen Baustil, sondern in einer übergeordneten städtebaulichen Vision, die bereits in den späten 1970er Jahren formuliert wurde. Der damalige Kulturdezernent Hilmar Hoffmann entwickelte 1978 das Konzept, eine Kette von Museen entlang des Mainufers zu schaffen – teils in bestehenden Villen, teils in spektakulären Neubauten. Diese Idee schuf einen konzeptionellen Rahmen, der wichtiger war als jede stilistische Vorgabe.

Die Harmonie entsteht aus mehreren Faktoren. Erstens, die gemeinsame Maßstäblichkeit: Die meisten Gebäude halten eine ähnliche Traufhöhe und respektieren die Proportionen der historischen Uferbebauung. Sie ordnen sich dem Flussraum und der Parklandschaft unter, statt sie zu dominieren. Zweitens, die wiederkehrende architektonische Strategie des An- und Umbauens. Viele Museen integrieren historische Villen und treten mit ihnen in einen spannungsreichen Dialog. Dieses Zusammenspiel von Alt und Neu wird zum roten Faden, der die einzelnen Bauten miteinander verbindet. Wie die Stadt Frankfurt selbst betont, lockt dieses Kulturensemble jedes Jahr mehr als zwei Millionen Besucherinnen und Besucher an, was die Kraft des Gesamtkonzepts unterstreicht.

Drittens, die verbindenden Freiräume. Das Ufer selbst, mit seinen Grünflächen, Wegen und dem Blick auf den Main, fungiert als eine Art „grünes Foyer“, das die einzelnen Museumsbauten zusammenhält und zu einer erlebbaren Perlenkette aufreiht. Die Architekten hatten also nicht die Aufgabe, ein isoliertes Solitär zu schaffen, sondern einen Beitrag zu einem größeren Ganzen zu leisten. Die Harmonie des Museumsufers ist somit kein Zufall, sondern das Ergebnis einer brillanten städtebaulichen Idee, die Individualität erlaubt und gleichzeitig ein kohärentes Ganzes schafft.

Welche modernen Gebäude in Frankfurt sollte man als Architektur-Interessierter kennen?

Frankfurts architektonische Landschaft ist weit mehr als nur die berühmte Skyline und das Museumsufer. Für Architekturliebhaber gibt es eine Fülle moderner Bauten, die es zu entdecken gilt und die den innovativen Geist der Stadt widerspiegeln. Ein absolutes Muss ist der Besuch der Europäischen Zentralbank (EZB) im Ostend, entworfen vom Wiener Architekturbüro Coop Himmelb(l)au. Der dekonstruktivistische Entwurf besteht aus einem verdrehten Doppelturm, der durch ein riesiges Atrium verbunden und in die historische Großmarkthalle integriert ist – ein kraftvolles Symbol für die Verbindung von Geschichte und Zukunft Europas.

Ein weiteres Highlight ist das Einkaufszentrum MyZeil auf der gleichnamigen Einkaufsstraße. Der Entwurf von Massimiliano Fuksas ist berühmt für seine trichterförmige Glasfassade, die sich wie ein Strudel ins Innere des Gebäudes zu saugen scheint. Diese organische, fließende Form bricht radikal mit der strengen Geometrie der umliegenden Bauten und schafft im Inneren ein spektakuläres Raumerlebnis mit einer fast 100 Meter langen, freitragenden Rolltreppe. Es ist ein Beispiel für kommerzielle Architektur, die mutig und künstlerisch anspruchsvoll ist.

Die stetige Entwicklung und die Anziehungskraft solcher Projekte bestätigen Frankfurts Status als Architekturmetropole. Allein im Juni 2024 konnte die Stadt mit erstmalig mehr als 611.027 Besuchern einen neuen Tourismusrekord aufstellen, was auch auf die Strahlkraft ihrer modernen Baukultur zurückzuführen ist. Abseits der bekannten Pfade lohnt auch ein Blick auf Projekte wie „The Squaire“ am Flughafen oder die neuen Wohnquartiere im Europaviertel. Frankfurt bleibt ein lebendiges Labor für zeitgenössische Architektur, das es immer wieder neu zu erkunden gilt.

Für eine tiefere und umfassendere Erkundung dieser architektonischen Juwelen ist der nächste logische Schritt, einen Besuch vor Ort zu planen. Nutzen Sie das MuseumsuferTicket, um an zwei aufeinanderfolgenden Tagen alle 39 Häuser zu entdecken und die Theorie in die Praxis umzusetzen.